Vita

Leoba (conosciuta anche come Lioba o Leofgyth) nacque nei primi anni dell’VIII secolo, figlia unica di genitori nobili, prese i voti giovanissima nel convento di Wimborne, nel Dorset. Lì ricevette un’ottima educazione, e imparò a scrivere prose e poesie in latino.

In questa lingua iniziò una corrispondenza epistolare con San Bonifacio, vescovo e missionario parente di sua madre. Bonifacio, apprezzando la sua devozione e la sua intelligenza, la chiamò a dirigere come badessa il neonato convento di Tauberbischofsheim in Germania. Leoba si stabilì là intorno al 748.

In pochi anni sotto la sua guida Tauberbischofsheim diventò un rilevante centro religioso e formativo. Leoba era stimata sia dalle consorelle sia dai leader spirituali e politici. Fu consigliera dei vescovi di Fulda e dei re franchi, e Ildegarda – la prima moglie di Carlo Magno – la convocò persino a corte. Negli ultimi anni soggiornò con un piccolo gruppo di suore a Schornsheim, in una proprietà concessa da Carlo Magno. Lì morì il 28 settembre 782 (n.d.r. la data è quella generalmente accettata dalla storiografia moderna)

“Ho composto i seguenti versi secondo le regole dell’arte poetica, non confidando nella mia presunzione, ma cercando solo di esercitare il mio minimo talento”

Opere

Dell’intera sua produzione letteraria è sopravvissuta soltanto una breve poesia latina inserita in una lettera indirizzata a Bonifacio intorno al 732. Per questo motivo, anche se di origine inglese, in questo sito Leoba è censita come poetessa latina a livello di classificazione letteraria. Naturalmente si tratta di latino medievale.

Temi, poetica e stile

Nella lettera Leoba chiede a San Bonifacio, che considera come un fratello, di pregare per l’anima del padre defunto e per la salute della madre malata. Poi parla della sua scrittura. Dice di aver imparato l’arte poetica dalla monaca Eadburga, di cui loda l’erudizione e la fede. Infine lo invita a leggere i suoi versi, definiti “rozzi”, espressione di un “talento minimo”, che necessita di esercizio e correzione.

Posto in fondo alla lettera, il componimento funge anche da saluto solenne.

Leoba non scrive affatto in modo rozzo. Ha un’ottima conoscenza della sintassi, della versificazione e delle figure retoriche. La sua modestia è una captatio benevolentiae ben calcolata per attirare l’attenzione di Bonifacio.

Gli studiosi hanno osservato la somiglianza tra il suo stile e quello di Aldhelm, poeta inglese attivo pochi anni prima di lei. Leoba mostra dunque un’ampia cultura che spazia dalla latinità classica agli autori contemporanei.

Perché leggerla oggi

Perché offre uno spiraglio sull’educazione e la condizione femminile in un periodo storico poco conosciuto.

Curiosità

• Leoba è una santa riconosciuta dalla Chiesa Cattolica e celebrata ogni 28 settembre.
• Le è stato dedicato un asteroide scoperto nel 1922: 974 Lioba.
• Un monumento in suo onore si trova a Schornsheim, sua ultima residenza.

Bibliografia

- "Vita e lettere di San Bonifacio" tradotto da Enrica Mascherpa e pubblicato dalla casa editrice "La Scala" nel 1991 - fonte dei tesi tradotti in pagina
- Gallagher John Leoba: England’s Earliest Female Poet
- Columbia CTL, fonte 1  (ultima consultazione il 23/03/2026)
- Columbia CTL, fonte 2 (ultima consultazione il 23/03/2026)
- Wikipedia, Leoba (ultima consultazione il 23/03/2026)

[Articolo a cura di Grazia Guarnieri]

Questo già basterebbe a fare di Tullia d’Aragona un personaggio sui generis. Eppure ella fu anticonformista sotto ogni punto di vista, come quando si rifiutò di indossare il velo giallo riservato alle cortigiane o come quando inveì contro i predicatori o ancora come quando fece dell’amore – e dell’eros soprattutto – il soggetto dei suoi versi.

Una vita all’insegna del mistero

Nata probabilmente a Roma nel primo decennio del Cinquecento, da madre cortigiana di origini ferraresi e da un uomo sconosciuto, la sua vita fu avvolta dal mistero sin dai primi vagiti. Tuttavia, ella era solita affermare di essere figlia naturale del cardinale Luigi d’Aragona, nipote di re Alfonso II di Napoli, assiduo frequentatore della taverna dove la madre esercitava il suo mestiere, sebbene in un documento appare come suo padre tal Costanzo Palmieri d’Aragona.

Trascorse l’infanzia tra Roma, Siena e Firenze; ben presto sua madre si accorse del suo talento poetico e decise di tornare a Roma dove la fanciulla avrebbe potuto avere maggiori possibilità di essere notata. Tuttavia, Tullia d’Aragona fu notata anzitutto per la sua bellezza e per l’aspetto misterioso che le donavano la sua grazia e la cascata di lunghi capelli biondi che incorniciavano un volto d’alabastro su cui spiccavano profondi occhi scuri. Alla ragazza, allora già cortigiana, furono infatti attribuiti onori per la sua beltade, come testimoniano i madrigali di Verdelot. Tornò poi a Ferrara. Tuttavia, dalle lettere del banchiere Filippo Strozzi così come da quelle di altri spasimanti meno noti, appare evidente come non fosse solo il suo voluttuoso corpo ad attrarre gli uomini, ma la sua arguzia, il suo spirito, le sue velleità letterarie e la capacità di conversare con loro come pari, senza temerne minimamente il giudizio. A dimostrazione di quanto le sue capacità intellettive fossero apprezzate dagli uomini più illuminati fra i suoi contemporanei si possono citare, a titolo esemplificativo, i carteggi intessuti con Pietro Bembo, Girolamo Muzio, Ercole Bentivoglio, Bernardo Tasso e Giulio Camillo.

Riprendersi la propria voce come missione femminile

1543. Per sottrarsi alle malelingue e affrancarsi dal bollino apposto alle cortigiane, decise di sposarsi. Il suo matrimonio divenne l’evento dell’anno, non tanto per lo sposo scelto (Silvestro Guicciardi), quanto per la sua propria notorietà.

Libera così dalla schiavitù del pregiudizio, nel 1545 si recò nella Firenze di Cosimo I de’ Medici, a cui dedicò due anni più tardi Dialogo dell’infinità d’amore.

Con questo titolo d’Aragona rompe la tradizione dall’interno, riprendendosi finalmente la voce a lungo sottratta alle donne, spesso oggetto di narrazione e di dibattito dei dialoghi ma mai protagoniste. L’amore viene allora analizzato attraverso una insolita lente di ingrandimento: lo sguardo della donna e la parità di uomo e donna dinanzi all’eros in ogni ambito del quotidiano.

Nello stesso anno diede alle stampe Rime, una raccolta di versi in pieno stile petrarchesco, riecheggiando il Maestro come prima di lei avevano osato fare solo gli uomini.

Rime, questa volta dedicato a Eleonora di Toledo, la moglie di Cosimo I, a cui l’autrice chiese e da cui ottenne di poter evitare di indossare il velo giallo che cortigiane ed ex cortigiane erano costrette a usare per distinguersi dal resto della popolazione ed evitare così di attirare gli sguardi e le ire dei benpensanti su di sé e sulla sua attività poetica.

Il un volume risulta intriso da un forte afflato sensuale; corpo e anima allora hanno lo stesso peso e lo stesso valore per la “figlia dell’amore” che “visse sacra all’amore”. Un atteggiamento atipico per le donne ma che, ancora una volta, permise a Tullia d’Aragona di riacquistare la voce sottratta al genere femminile. E tal proposito, ella utilizzò la sua voce anche per scagliarsi contro i moralizzatori, in modo particolare contro Bernardino Ochino che aveva messo al bando le passioni, la musica, la danza e le feste in maschera poiché ritenuti simbolo di perdizione.

Tullia d’Aragona morì sola, esiliata dalla società benpensante e orfana di ogni affetto nel 1556 a Roma. Considerata da molti “la cortigiana degli Accademici”, fu bersaglio delle peggiori ingiurie anche dopo la morte e nonostante avesse largamente dimostrato il suo valore con i propri scritti e anche con le sue ardue traduzioni.

Se forse per pietà del mio languire

Bibliografia

- Delfina Giovannozzi,“Ritratto di signora”. Tullia d’Aragona in alcuni trattati coevi sull’amore, in «Women in controversy / Dibattiti e controversie»,Mimesis Journal, pp. 29 - 46
- Floriana Calitti, Un “caso di studio”: le opere di Tullia d’Aragona tra filologia e studi di genere, in «Schifanoio», fascicoli 58 -59, pp. 183 - 190 Codice DOI https://dx.doi.org/10.19272/202010802021
- Julia Hairston, Tullia d’Aragona, voce Treccani
- Jung, Kyunghee, La trattatistica d’amore del cinquecento e il «Dialogo dell’Infinità d’amore» di Tullia d’Aragona, tesi di Dottorato, UniPd
- Luca D’Ascia, Ermafrodito amoroso e ragione senza genere: Tullia d’Aragona e Benedetto Varchi nel Dialogo dell’infinità d’amore, in «SigMa», Vol. 4, 2020, pp. 460 - 505
- Monika Antes, Tullia d'Aragona. Cortigiana e filosofa. Con il testo del dialogo «della infinità di amore», Pagliai Editore
- Sara Mostoccio, Tullia D’Aragona, la poetessa cortigiana che credeva nella parità tra uomo e donna, in «Elle», 18/02/2020
- Tullia d'Aragona, Le rime di Tullia d'Aragona, cortigiana del secolo XVI

Si possono leggere alcuni suoi componimenti poetici su LiberLiber

[Articolo a cura della poetessa Rosaria Scialpi]

Assediati giochiamo ai dadi / assediati posiamo le armi / e aspettiamo / L’assedio finirà / giochiamo Aiace / l’assedio finirà.

Ancestrale, Goliarda Sapienza

Goliarda Sapienza è una delle voci più radicali e riconoscibili della letteratura italiana del Novecento. Attrice e scrittrice, ha attraversato la cultura del suo tempo con uno sguardo libero, anticonformista, spesso in anticipo rispetto alla ricezione critica. La sua opera più celebre, L’arte della gioia, rifiutata a lungo dagli editori italiani, è divenuta dopo la pubblicazione postuma un caso letterario internazionale: un romanzo-fiume di formazione e autodeterminazione femminile, lucido e incendiario.

Goliarda Sapienza, pur conosciuta soprattutto come narratrice, offre in Ancestrale una poesia intensamente lirica, corporea e musicale: la sua lingua poetica è essenziale, cerca la verità dell’esperienza, dell’identità e del desiderio, senza censurare dolore, contraddizioni e fragilità.

Vita

Goliarda Sapienza nasce a Catania nel 1924, in una famiglia fuori dalle convenzioni: il padre Giuseppe Sapienza, avvocato socialista, e la madre Maria Giudice, militante politica e figura carismatica del femminismo e del movimento operaio. Cresce in un ambiente in cui l’educazione passa attraverso libri, discussioni, libertà intellettuale e una forte fiducia nell’indipendenza.

Si trasferisce giovanissima a Roma, dove studia recitazione all’Accademia d’Arte Drammatica e lavora come attrice in teatro e cinema. Negli anni Cinquanta e Sessanta entra in contatto con il mondo culturale romano, ma vive anche fasi di crisi profonda, culminate in una depressione e in un ricovero: esperienze che segneranno in modo decisivo la sua scrittura autobiografica.

Negli anni Settanta si dedica quasi totalmente alla letteratura. Lavora per lungo tempo a L’arte della gioia, che però non trova editore. Muore a Gaeta nel 1996, prima di vedere riconosciuta la portata della propria opera.

Opere principali

Poesie

Ancestrale (2015, 2025)

Romanzi

• Lettera aperta (1967)
• Il filo di mezzogiorno (1969)
• L’università di Rebibbia (1983)
• Le certezze del dubbio (1987)
• L’arte della gioia (scritto tra anni ’60 e ’70, pubblicato postumo)
• Io, Jean Gabin (2010, postumo)
• Appuntamento a Positano (2015, postumo)

Temi e poetica

La parola-chiave di Sapienza è libertà: libertà sessuale, sociale, mentale. I suoi personaggi femminili non cercano redenzione, ma possibilità: vivere pienamente senza chiedere permesso.

Il corpo è centro di esperienza e conoscenza: desiderio, piacere, maternità rifiutata o scelta, violenza e autodeterminazione. Sapienza scrive l’eros con franchezza e intelligenza, scardinando la sottomissione a qualsiasi codice moralistico.

I versi di Sapienza nascono della propria identità, della libertà di essere, delle ambiguità della personalità e dei sentimenti, di ciò che la società tenta di cancellare o normalizzare. Sapienza smaschera l’ipocrisia della rispettabilità: famiglia, classe, istituzioni. È feroce e ironica contro ogni addomesticamento, anche quello “progressista” che si trasforma in nuova gabbia per l’identità femminile.

Stile

La poesia di Goliarda Sapienza è diretta, asciutta, assoluta. I suoi versi rendono persistenti emozioni e sentimenti. Come nella prosa, Sapienza non edulcora nulla: mette a nudo drammi personali, contraddizioni, paure e desideri, restituendo frammenti di realtà liberati da ogni orpello. Ne emerge il ritratto di una donna libera, coraggiosa e senza filtri, radicale nella sua ricerca di bellezza, verità e libertà.

Perché leggerla oggi

Goliarda Sapienza offre una scrittura che non cerca di spiegare le donne: le lascia accadere e le racconta. La sue poesie parlano a chi rifiuta le definizioni semplici. È una letteratura che apre le porte alle ambiguità e alle emozioni più difficili.

Curiosità

• L’arte della gioia è stato a lungo rifiutato in Italia e ha trovato riconoscimento prima all’estero, diventando un caso editoriale e critico.
• La formazione di attrice ha inciso molto sullo stile di Sapienza: scene vive, dialoghi taglienti, una forte presenza del corpo.
• La sua famiglia d’origine era un vero laboratorio politico e culturale, rarissimo per l’Italia dell’epoca.
• Angelo Pellegrino, attore e scrittore e marito di Goliarda Sapienza è il curatore di Ancestrale.
• Nel 2024 la figura di Goliarda Sapienza torna al centro dell’attenzione grazie al film Fuori, diretto da Mario Martone e nella miniserie L’arte della gioia, diretta da Valeria Golino.

Bibliografia

Ancestrale, Goliarda Sapienza, ET Poesia, 2025

Wikipedia: https://it.wikipedia.org/wiki/Goliarda_Sapienza

[Articolo a cura della poetessa Stefania Lucchetti]

“Una donna d’ingegno raro e virtù singolare, la sua arte scenica è paragonabile alla poesia.” (Torquato Tasso)

Una poesia dalla forte e femminile emotività

Isabella Canali, meglio conosciuta come Isabella Andreini, nacque a Padova nel 1562 da una famiglia veneziana di modeste condizioni. Fin da giovane mostrò un talento straordinario per la recitazione, lo studio delle lingue e la poesia. A soli quindici anni, dopo aver ricevuto una educazione umanistica, entrò nella Compagnia dei Gelosi, la più celebre compagnia della Commedia dell’Arte: con loro divenne famosa come “prima donna innamorata”. Nel 1578 sposò il collega e attore Francesco Andreini, noto come “Capitan Spavento” nella Commedia dell’Arte, con cui condivise vita e scena, fino a dirigere la compagnia. La coppia era molto apprezzata a corte, tanto da essere convocati per le nozze di Ferdinando de’ Medici a Firenze e da Maria de’ Medici in Francia. Morì a 42 anni di parto, proprio durante il viaggio di ritorno dalla tournée in Francia (1604), lasciando un vuoto enorme nel mondo del teatro rinascimentale. L’eredità drammaturgica della coppia fu poi raccolta e portata avanti da uno dei loro figli, Giovanni Battista, attore e fondatore della compagnia dei Fedeli.

Isabella fu la prima donna a imporsi come vera attrice professionista in un’epoca in cui il palcoscenico era dominato dagli uomini. Fu una donna stimata dai maggiori letterati del suo tempo: Torquato Tasso, Giambattista Marino, Gabriello Chiabrera la lodarono come musa ispiratrice, esempio di donna colta e “dotta comica”. Fu tra le prime donne in Europa a pubblicare testi teatrali e raccolte poetiche, ottenendo riconoscimenti pari a quelli dei colleghi uomini.

Il modello dominante di riferimento delle sue liriche è il petrarchismo, rielaborato in modo personale, teatrale, drammatico e spesso ironico. L’esperienza sentimentale è trattata con passione ma anche lucidità, mostrando un’anima inquieta ma consapevole.

Fondamentale è il ruolo che la donna assume nelle sue liriche, il loro diritto di libertà ed espressione. Isabella difende la dignità intellettuale femminile, consapevole di essere pioniera in un campo dominato dagli uomini.

Pioniera nel mondo della scrittura

Isabella Andreini, oltre a lasciare un’eredità nel mondo teatrale dando nuova dignità alla figura dell’Innamorata nella Commedia Teatrale che prende ora il suo nome, lo fece anche in quello letterario.

“La Mirtilla” (1588, ripubblicata nel 1602): una favola pastorale ispirata al modello tassiano, che si distingue per l’attenzione alle figure femminili, libere, astute e capaci di influenzare gli eventi. Fu la prima opera teatrale pastorale pubblicata da una donna.

“Rime” (1601-1605): una raccolta poetica pubblicata più volte anche postuma, in cui la Andreini mostrò padronanza della lirica petrarchesca, inserendo temi di amore, dolore e riflessione artistica.

“Lettere” (1607): pubblicate dopo la sua morte dal marito Francesco, rivelano la sua intelligenza arguta e la capacità di padroneggiare lo stile epistolare.

“Fragmenti di alcune scritture” (1616/1620): raccolta di componimenti poetici ed epistolari che completano il quadro della sua attività letteraria.

Bibliografia Consigliata

Francesca De Angelis, La divina Isabella. Vita straordinaria di una donna del Cinquecento, Roma, Bulzoni, 1991

Cristina Grazioli, Isabella Andreini. Una letterata in scena, Padova, Cleup, 2014

Giovanni Isgrò, La donna, la scena, la scrittura: Isabella Andreini, Palermo, Sellerio, 1995

Johnny L. Bertolio, Controcanone - La letteratura delle donne dalle origini a oggi, Loescher Editore, 2022

Articolo scritto dalla poetessa Jessica Malagreca Palmi

Immagine di copertina creata con AI sulla base di Commons Wikimedia, immagine di pubblico dominio.

Può il fiore dell’Amicizia appassire per anni
E poi rifiorire di nuovo?
No, anche se il suolo fosse bagnato di lacrime,
Per quanto bello fosse cresciuto,
La linfa vitale, una volta estinta,
Non scorrerà mai più.

Emily Brontë

Emily Jane Brontë (Thornton, 30 luglio 1818 – Haworth, 19 dicembre 1848), è l’autrice del celebre romanzo Cime tempestose, pubblicato inizialmente con uno pseudonimo maschile. Oltre ad essere nota per il suo celebre romanzo è anche autrice di numerose poesie, nonostante la sua breve vita.

Le poesie prima del romanzo

Emily era una donna con un carattere chiuso e scontroso. Le sue opere poetiche sono conosciute grazie alla caparbietà della sorella Charlotte che ha raccolto i suoi diari e appunti, dopo la sua morte, per valorizzarli in una pubblicazione congiunta anche con l’altra sorella Anne. Purtroppo molte poesie sono andate distrutte dalla stessa autrice, che molto spesso riteneva insoddisfacenti le sue opere. Le uniche poesie uscite in vita sono quelle del 1846, pubblicate insieme alle sorelle in una piccola edizione sotto pseudonimi.

La famiglia Brontë era colta e tutti i figli sono stati educati in casa. Per brevi periodi i fratelli Brontë hanno frequentato diverse scuole, ma per motivi di salute sono rientrati presto in famiglia. Emily detestava la disciplina dei collegi e riteneva che fosse tempo perso che avrebbe potuto dedicare alla scrittura. L’infanzia dei fratelli Brontë è caratterizzata dalla creazione di mondi immaginari e dalla scrittura di racconti e poesie. Il loro gioco preferito era quello di fare finta di avere “un’isola ciascuno”.

L’evento che scatenò la creatività nella famiglia Brontë è stato il regalo del padre al figlio maschio (Branwell): un piccolo esercito di soldatini di piombo. I soldatini furono battezzati “Young Men” e diventarono i protagonisti di una serie di rappresentazioni, che poi si trasformarono in vere e proprie saghe. Charlotte e Branwell elaborarono le vicende di “Angria” mentre Emily e Anne, in sfida ai fratelli, scrissero quelle di “Gondal”.

Emily aveva un carattere forte ed era considerata la colonna portante della famiglia, si evince da questi pochi versi in cui accentra in sé l’intera esistenza.

La sua poesia descrive in maniera pregnante la natura e la morte, probabilmente perché erano elementi ricorrenti della sua vita. Emily, infatti, abitava in un villaggio isolato dello Yorkshiree la sua famiglia fu colpita frequentemente da gravi lutti (compreso quello della madre in giovane età).

Emily si ammalò gravemente di tifo subito dopo il funerale del fratello, a cui era molto affezionata. Rifiutò le cure dei medici perché probabilmente non nutriva speranze di guarigione.

La scrittura prima di tutto

Emily Brontë lascia in eredità la memoria di una donna moderna, libera ed appassionata, nonostante il periodo in cui visse. Amava scrivere più di ogni altra cosa al mondo, tanto che abbandonò diversi lavori da istitutrice per dedicarsi totalmente alla sua passione. In un momento di difficoltà della famiglia provò anche ad aprire una scuola nella propria casa, insieme alle sue sorelle, ma il progetto non decollò per assenza di iscrizioni.

Probabilmente il carattere chiuso e scontroso di Emily nasconde l’impossibilità di esprimere liberamente la sua natura. Le sue poesie non fanno trapelare le sue passioni e/o desideri. Si pensa che la sorella Charlotte abbia distrutto alcuni brani che potessero svelare qualcosa di lei, per rispettare la sua indole riservata. Ad esempio, non sappiamo se sia stata mai innamorata di qualcuno.

Emily si rifugia nel suo mondo immaginario e lì riesce ad esprimere sé stessa: questo è il suo modo per liberare la sua anima ribelle. Vivere in un mondo dove tutto prende forma e colore, dove anche le foglie splendono e sfavillano.

Bibliografia

Anne, Charlotte, Emily Brontë– Poesie Mondadori, traduzioni di Silvio Raffo e Anna Luisa Zazo.
 
Per consultare le poesie in inglese si segnala il sito All Poetry, da cui è tratta la poesia che dà inizio a questo articolo, tradotta poi con Chat GPT in italiano

A little history of poetry, John Carey

Immagine di copertina Wikipedia pubblico dominio

Articolo scritto dalla poetessa Barbara Carnevali

“Libera dai limiti la mente e colmala del tuo fuoco”

(Phillis Wheatley)

Donna. Nera. Schiava.

Tre caratteristiche adatte a rendere la vita un inferno.

Eppure, Phillis Wheatley quell’inferno ha saputo trasformarlo in opportunità, divenendo un esempio di coraggio e di riscatto personale.

Amava la letteratura e la poesia, e fu costretta a superare l’umiliazione di non essere creduta e a dimostrare che il suotalento era vero e le apparteneva come la sua stessa vita.

Nonostante le umilissime origini e la sofferenza patita durante l’infanzia, riuscì a far valere i propri diritti di donna che scriveva, fino a diventare la prima scrittrice afroamericana a pubblicare un libro.

Le origini e la vita

Nacque intorno al 1753, probabilmente in Senegal o in Gambia.

Rapita da bambina nella sua terra, fu trasportata in America su una nave di schiavi chiamata “Phyllis” e dalla quale prese il nome. Arrivò a Boston nel 1761 e qui fu acquistata da una facoltosa coppia di commercianti, John e Susanna Wheatley.

Cominciò a lavorare come domestica presso la ricca famiglia ma, notando la sua grande intelligenza, i coniugi Wheatley la incoraggiarono a studiare. Fu il loro figlio Nathaniel a occuparsi dell’istruzione di Phillis, insegnandole non solo a leggere e scrivere, ma facendola appassionare ai classici, alla storia, alla geografia e alla Bibbia. Fu battezzata e crebbe come una fervente religiosa.

La sua passione più grande, però, fu la poesia e iniziò a scrivere versi in modo spontaneo e naturale. A circa venti anni aveva pronto un libro da pubblicare ma era inconcepibile, per quei tempi, che una donna nera si interessasse alle lettere.

Fu così che, nel 1772, Phillis si trovò a dover difendere le proprie capacità letterarie, nonché i propri diritti di scrittrice, in un vero e proprio tribunale. Una commissione di illustri personalità di Boston sottopose la giovane donna a un esame attraverso il quale dovette constatare l’autenticità del suo talento, riconoscendo che fosse proprio lei l’autrice delle poesie presentate e rilasciandole un attestato.

Nessuna casa editrice, però, volle pubblicare la sua opera. Solo grazie alla contessa di Huntingdon, Selina Hastings, Phillis Wheatley vide il suo libro pubblicato, nel 1773, a Londra e divenne, così, la prima donna nera e schiava a pubblicare un libro.

Una volta divenuta famosa grazie alla pubblicazione di “Poems on Various Subjects, Religious and Moral”, la donna ottenne la libertà dai suoi padroni ma ella decise di continuare a lavorare presso la famiglia fino alla morte del signor Wheatley.

Sposò, quindi, un uomo anch’egli nero e libero ma arrogante e fannullone il quale, in seguito, l’abbandonò lasciandola in miseria.

Trascorse gli ultimi anni della sua vita in precarie condizioni, vivendo in una zona degradata di Boston con suo figlio. Morì il 5 dicembre 1874, e poche ore dopo anche il figlio morì. Venne sepolta in una tomba anonima, non riuscendo a realizzare il desiderio di pubblicare una seconda raccolta di poesie.

Oggi, la University of Massachusetts di Boston la ricorda con un edificio intitolato a suo nome.

La poetica

Phillis Wheatley impronta la sua poetica prevalentemente su temi religiosi e classici, dedicando, inoltre, molti versi a importanti personalità del periodo.

Non utilizzò molto la poesia per parlare della sua condizione di schiava e questo aspetto del suo modo di fare letteratura divise la critica del tempo. Era apprezzata per il fatto di essere una donna nera e schiava che si dedicava alla poesia, quindi un esempio da seguire. Allo stesso tempo, c’era chi la criticava perché raramente trattava tematiche legate alla schiavitù dei neri.

Tale comportamento, però, non era chiaro. Forse non citava la sua condizione sociale in quanto non aveva la totale libertà di esprimersi come desiderava o forse perché riteneva che la sua disgrazia era solo responsabilità di Dio o del destino. Preferiva, quindi, seguire la forma popolare dell’epoca.

La forma poetica da lei preferita era il distico e componeva principalmente elegie in stile classico.

Il suo successo letterario fu enorme, tanto che Voltaire ebbe a dire che Phillis Wheatley aveva avuto la capacità di dimostrare che anche le persone nere erano capaci di scrivere poesie.

La lezione di Phillis Wheatley

Ispirazione per scrittrici e scrittori, Phillis Wheatley ha ancora oggi un forte impatto sulla letteratura mondiale. Il suo coraggio e la sua forza di volontà sono stati, e sono, un grande esempio per le donne di colore, ma anche per tutte quelle che vivono in condizioni di inferiorità.

Phillis Wheatley dimostra che ogni donna ha diritto a esprimersi liberamente, anche attraverso l’arte. Nonostante un passato di grande sofferenza come schiava, questa donna non si è arresa davanti agli ostacoli incontrati. Ha dovuto provare il suo talento e lo ha fatto con dignità e sicurezza, consapevole delle proprie potenzialità. Ha dimostrato che le donne possono fare qualsiasi cosa, affermarsi anche in quei campi ritenuti esclusivo dominio degli uomini.

Tante donne, ancora oggi, vivono in condizioni terribili, sottomesse e private dei più elementari diritti, in schiavitù di tutti i tipi.

Phillis Wheatley è stata una donna come poche, una poetessa straordinaria.

Non si è fermata davanti a nulla e ha lottato contro i pregiudizi e le barriere imposte dall’egoismo degli uomini, insegnandoci che i limiti possono essere superati e che la libertà è un bene prezioso da difendere a ogni costo.

Bibliografia consigliata

-“Phillis Wheatley” di Susan R. Gregson (in lingua inglese)

-“Poems on Various Subjects, Religious and Moral” di Phillis Wheatley (in lingua inglese)

- “The Collected Works of Phillis Wheatley” di Phillis Wheatley (in lingua inglese)

Articolo scritto dalla poetessa Federica Sanguigni

Immagine modificata tratta da Scipio Moorhead, Public domain, via Wikimedia Commons

Il suo stile diverso

Ana Cristina Cesar, nota come “Ana C.”, giocava con “l’inganno”, come osserva Heloisa Buarque de Hollanda in riferimento a Correspondência completa (Corrispondenza completa), un’opera del 1979 composta da una sola lunga lettera e pubblicata direttamente in “seconda edizione”. Questa opera rivela il gusto per lo spiritoso e il disorientamento, mostrando molteplici strati di significato e di nascondimento. La sua scrittura alterna lo svelamento e il mascheramento, coinvolgendo il lettore in un gioco di interpretazioni.

Rifiutandosi di essere classificata in uno stile unico, Ana Cristina invita a esplorare le parole in un continuo movimento tra autobiografia, intertestualità e utopie. Il lettore è coinvolto in una “performance di lettura” tra complicità e distacco, vivendo il mondo poetico della scrittrice senza mai trovare un punto fisso, in un perpetuo gioco di rivelazione e mistero.

Il mito

La sua poesia sfugge a classificazioni rigide, muovendosi tra il quotidiano e il complesso, il personale e l’universale: la poetessa richiedeva ai lettori un coinvolgimento attivo nel decifrare il suo universo poetico. La sua morte prematura, avvenuta a soli 31 anni per suicidio, ha contribuito a creare il mito intorno alla sua figura e alla sua opera, rafforzando il mito della “cometa” che attraversò rapidamente il panorama culturale brasiliano.

Poesia

Traduzione

Bibliografia

https://www.awebic.com.br/poema-mais-lindo-de-ana-cristina-cesar/
https://revistacontinente.com.br/edicoes/257/ana-cristina-cesar--vida-curta--longa-travessia

[Articolo e traduzione di Andrea Godoy]

L’immagine di copertina è presa e modificata da ims.com.

“E libri, libri

ebbi per compagnia

abitazione”

Giuseppina Luongo Bartolini 

Giuseppina Luongo in Bartolini, nata ad Altavilla Irpina (AV) nel 1926 e scomparsa a Benevento nel 2023, è stata poetessa e saggista.

Poesie, saggi, traduzioni

Prima figlia di Achille Luongo e Bruno Antonia, si laureò a Napoli in Lettere classiche e cominciò in giovanissima età a coltivare la passione per la letteratura. 

Irpina di nascita e sannita di adozione, divenne docente e preside di Scuole superiori. Fu intellettuale engagée e si impegnò anche politicamente nel consiglio comunale di Benevento dove, tra il 1970 e il 1985, ricoprì le cariche di Assessore alla Pubblica Istruzione, alla Cultura, al Traffico, ai Trasporti e alla Polizia Urbana. Fu Presidente provinciale dell’Unione Cattolica Italiana Insegnanti Medi e organizzatrice di eventi culturali di rilievo sul territorio.

Pubblicò numerose raccolte poetiche e diversi testi teatrali, nonché numerosi saggi, di cui uno ancora attuale dedicato alla questione della disparità di genere (“Questione donna. Variazioni sullo specifico femminile”, Foglianise, BN, 1986).

Difese il territorio sannita e meridionale e operò per la sua riscoperta e valorizzazione (“Da via della Giudecca al Serralium alla Shoah – Ebrei in Benevento” – Realtà Sannita Edizioni, 2000, ne è un esempio, ma anche “Guida di Benevento e della sua provincia”, pubblicata nel 1980 da Ricolo Editore e poi dalle Edizioni Alisei nel 2010).

Stile e temi poetici

L’opera poetica della Bartolini Luongo è caratterizzata da un notevole sperimentalismo linguistico e metrico. La sua è una poesia-labirinto, come ebbe a definirla l’intellettuale Giuseppe Tedeschi. Alfonso Gatto, Antonia Pozzi, Emily Dickinson, Borges, sono tra gli autori dai quali la Bartolini trasse ispirazione. Si tratta di un versificare che, come sottolineò Giorgio Barberi Squarotti, ha “l’andamento del versetto biblico, anche per il rifrangersi degli echi ritmici e semantici”. La morte del marito Pellegrino ispirò, nella produzione successiva, un canto d’amore arricchito da continui rimandi alle Sacre scritture.

E, ancora:

La fortuna

Nonostante gli ultimi anni trascorsi lontano dalla vita pubblica, circondata dall’affetto dei fratelli, dei nipoti e delle figlie, il nome di Giuseppina Luongo Bartolini non è stato dimenticato, Nel maggio 2024 la Giunta Comunale di Benevento ha deliberato in suo favore l’intitolazione della Biblioteca Comunale cittadina.

[Ringrazio la figlia Tullia Bartolini per aver redatto la voce di questa poetessa e di avermi concesso la sua foto.]

Bibliografia poetica

Dilemma, Benevento, Ricolo Editore, Benevento,1981

L’esca del lucro, Marcucci Studio Bibliografico, Benevento,1986

Paglia dell’oro, Il candelaio, Napoli, 1989

Meraviglia del dove, Tracce, Roma, 1994

Bagno della regina Giovanna, Forum Quinta Generazione, Forlì, 1994

Emblemata, Forum Quinta Generazione, Forlì, 1995

Village/Icona, Bastogi, Roma, 1998Dilemma

The Heft of the Wings and Other Poems (Il peso delle ali), 2001,Gradiva Publications, New York, 2001

Detriti-Haiku e altre terzine, Edizioni Gazebo, Firenze, 2002 ;

Itinerari, Ed.Grafica Mellusi, Benevento, 2002

Album, Book Editore, Riva del Po, 2005

La polvere dei calzari, Campanotto, Prato, 2005

Terra di passo, Genesi Editore, Torino, 2006

L’attraversamento del giorno, Genesi Editore, Torino, 2008

La pietra focaia, Genesi Editore,Torino, 2009

La feroce aiuola, Genesi Editore,Torino, 2010

     

“La storia di Isabella Morra non può essere ridotta a una semplice vicenda amorosa. È soprattutto una storia di libertà e, più precisamente, della ricerca di libertà attraverso la cultura, l’arte, la natura” (Dacia Maraini)

La vita

Come quasi sempre accade a poeti, scrittori e artisti in genere, soprattutto se donne, anche questa poetessa conquistò la sua fama dopo la morte.

La sua breve e tragica vita, però, non le impedì di dedicarsi alla poesia in maniera totale e appassionata, tanto che oggi è considerata, a tutti gli effetti, una delle voci più importanti della poesia italiana del XVI secolo.

Isabella Morra nacque, nel 1520, in un castello arroccato sulla collina a Favale, odierna Valsinni, in Basilicata. Terza di otto figli della nobile famiglia dei Morra, dovette ben presto separarsi dal padre. Era quello, infatti, un periodo di profondi contrasti sociali a causa della sanguinosa guerra tra franchi e spagnoli in contesa per l’egemonia del Regno di Napoli. Il padre, schieratosi con l’esercito francese, a causa della sconfitta in battaglia, fu costretto all’esilio in Francia.

Al castello la vita si fece difficile: la madre di Isabella cadde in una sorta di depressione e i fratelli presero il sopravvento. Ma i modi aspri e maschilisti dei giovani Morra mal si conciliavano con la finezza e la ricchezza d’animo di Isabella, tanto che la ragazza si chiuse in un forzato isolamento, affidando le sue pene e la sua giovinezza agli studi e alle lettere.

Nella prigionia del castello, la poesia divenne l’unico conforto a cui affidare i propri pensieri e la triste consapevolezza della sua sorte di donna senza privilegi, costretta a vivere in un borgo dalla forte chiusura mentale.

[Studi recenti hanno portato alla luce, però, testimonianze che Isabella ebbe la possibilità di allontanarsi dal suo borgo, riuscendo a frequentare le corti del tempo e a svolgere il ruolo di dama di compagnia]

Molto apprezzata dal suo precettore, il canonico Torquato, questi la invogliò a iniziare un rapporto epistolare con un nobile di origine spagnola, Diego Sandoval De Castro.

Il legame tra la ragazza e il nobiluomo si rafforzò sempre più ma non ci è dato sapere se tale rapporto fu di semplice amicizia o, come molti malignarono, se ci fu un coinvolgimento amoroso. Diego Sandoval era sposato e, inoltre, era uno spagnolo mentre la famiglia Morra era filofrancese. Tanto bastò ai fratelli di Isabella per condannare la presunta relazione arrivando a decidere di uccidere la sorella.

Il primo a venir assassinato fu il precettore, reo di aver spinto la ragazza a iniziare il rapporto con il nobile spagnolo. Successivamente, i fratelli Morra pugnalarono e uccisero la giovane Isabella. Lo stesso Diego Sandoval subì, in un secondo momento, la medesima sorte. La data di morte della poetessa è incerta, tra il 1545 e il 1546. Il suo corpo non fu mai ritrovato e, attorno alla sua figura, nacque la leggenda. Ancora oggi pare che lo spirito della dolce Isabella aleggi tra le stanze del maniero e le strade dell’antico borgo.

La poetica

Rifugiatasi nella poesia, Isabella comincia a scrivere, attingendo a piene mani dalla sua sventura. Il ricordo del padre si fa struggente, sogna di vederlo tornare:

Ma il suo desiderio non si realizzerà mai.

I luoghi e la natura che la circondano diventano motivo di infelicità e sconforto ma, allo stesso tempo, sono da ispirazione per le sue liriche.

Isabella è costretta a vivere la sua triste giovinezza tra gente irrazional, priva d’ingegno e dalla mentalità chiusa e ristretta, osservando la vallata dominata dal castello, una valle inferna, dalle selve incolte, attraversata da un fiume alpestre, il fiume Sinni al quale, però, dedica anche bellissimi versi, assumendo quasi le forme di un confidente.

La sua poesia nasce, quindi, da una condizione di dolore e solitudine, divenendo sfogo di un animo che grida la propria sofferenza contro un’avversa Fortuna, origine dei suoi mali. Donna anch’essa, la Fortuna è malvagia, cruda, traditrice del suo stesso genere, in quanto cattiva e non sensibile e delicata come, di solito, sono le donne.

Solo negli ultimi componimenti, il bisogno fortissimo di trovare un senso a tutto quel dolore, e forse un, se pur lieve, lenimento, devia la poesia della giovane verso una linea cristiana, con liriche innalzate a Cristo e alla Vergine Maria. E così, le rime smussano gli spigolosi angolia favore di versi più dolci e sereni.

Lo stile poetico di Isabella Morra, come quello di Vittoria Colonna, è inserito nella corrente del petrarchismo, il cui tema dominante era l’amore. Ma la poetessa è lontana da quelle liriche appassionate che cantavano le altre donne dedite all’attività letteraria. Non ci sono sentimenti amorosi nelle sue poesie né celebrazione dell’amore, solo un velo malinconico e triste a coprire i suoi versi.

Il dramma dell’umanità parla attraverso i suoi scritti. Ella stessa definisce il suo stile amaro, pieno di dolore, ruvido, ma è l’espressione più vera di quella che è la sua condizione di vita: anch’essa amara, dolorosa e ruvida, relegata in un borgo piccolo e retrogrado nel quale non poteva mettere in risalto le sue doti di donna e poetessa.

Come già accennato, la poesia di Isabella Morra si tinge di sfumature nuove allorché ella si avvicina alla fede cristiana. Il desiderio di pace e di conforto è urgente, necessario. E così i suoi versi tramutano la linea dura e netta in parole più morbide nei confronti di tutto ciò che la circonda.

La stessa natura assume volti nuovi e nelle sue poesie troviamo ora la grotta felice, il Sinno veloce e le chiare fonti e rivi. Isabella non ha più quella spina opprimente nel petto, è lieta e contenta in questo bosco ombroso.

Oggi la poesia di questa sublime poetessa, come la definì Benedetto Croce, pur non rinnegando la corrente petrarchista, è considerata innovativa per i tempi in cui ella visse, tanto da farne una pioniera del Romanticismo.

Bibliografia consigliata

- Rime di Isabella Morra – Stilo Editrice

-Isabella di Morra e Diego Sandoval de Castro (di Benedetto Croce) – Sellerio Editore

Articolo scritto dalla poetessa Federica Sanguigni

Le donne, lo so, non dovrebbero scrivere: ciononostante, io scrivo.

Honoré de Balzac definì i suoi versi delicati accostamenti di sonorità dolci e armoniose che evocano la vita della gente semplice.

Charles Baudelaire disse di lei:

Paul Verlaine, che la incluse, unica donna, nella sua antologia “I poeti maledetti”, affermò:

Aggiungendo:

“C’è un suo verso che mi sembra il più straordinario della nostra lingua o di ogni lingua umana:

Perché, una poetessa così osannata e di forte ispirazione, è finita nel buio nero del dimenticatoio?

La vita tra difficoltà e miserie

Marceline Desbordes Valmore nacque a Douai (Fiandra francese) il 20 giugno 1786. Giovanissima, a causa di problemi familiari, seguì la madre a Guadalupa in cerca di lontani parenti, ma tornò orfana e molto povera, dopo aver attraversato numerose e spiacevoli peripezie. Lavorò come attrice nei teatri di Douai e Rouen e poi si spostò a Parigi.

Ebbe un grande amore da lei mantenuto segreto, ma da molti identificato in Henri de Latouche, con il quale visse una relazione intensa e passionale e da cui nacque una figlia che morì molto piccola. Nel 1817 sposò l’attore François-Prosper Lanchantin, detto Valmore. Da questi fu molto amata ed ebbe altri figli di cui solo uno sopravvisse.

La sua sensibilità profonda e appassionata trovò presto dimora nella poesia.

La tragedia immensa della perdita della sua bambina, insieme ai problemi economici, alla scomparsa di altri familiari e ai turbamenti sentimentali (non dimenticò mai Latouche e forse mai da lui si separò), seminarono nel suo animo lacrime e dolore che fiorirono sotto forma di versi dalla forte carica emotiva. La sua condizione di donna e poetessa nell’Ottocento acuì il tormento interiore che sfociòin una produzione letteraria vasta e ricca di suggestioni. Non ebbe grandi possibilità di studiare ma riuscì, con un sapiente lavoro da autodidatta, a compensare, perfettamente, la scarsa istruzione.

Pubblicò la sua prima raccolta poetica nel 1819, “Élégies et romances”, alla quale ne seguirono altre, tra cui: “Les Pleurs”(1833) e “Pauvres fleurs”(1839).

Compose anche novelle e racconti per bambini, sia in prosa che in versi. Morì di cancro a Parigi nel 1859.

La poesia

Marceline Desbordes Valmore, nonostante sia stata pressoché dimenticata, fu una delle più grandi poetesse francesi, riuscendo a precorrere i maestri della poesia francese moderna e creando uno stile nuovo, lontano dalla tradizione. Uno stile libero e molto attento ai contenuti.

Lo stesso Verlaine trasse non pochi spunti dalle sue poesie.

I temi dominanti i suoi versi sono l’amore, la figura della donna, la maternità, e tutto ciò che un animo sensibile e gentile può racchiudere dentro di sé.

La sua è una poesia semplice, intima, a tratti fragile e nostalgica eppure ardente di un fuoco vivo e potente e in cui ci si può facilmente immedesimare. La sua voce canta l’amore e il dolore, attingendo a piene mani dalla propria vita e restituendo al mondo la grandezza di una poesia palpitante e inconfondibile.

Spesso i suoi versi raggiungono vette di elevata armonia e delicatezza, a volte sono racchiusi in una struggente malinconia la quale, più che evocare una persona o un ricordo, piangono l’amore stesso e la passione.

Le rose di Saadi

Bibliografia consigliata

Liriche d’amore di Marceline Desbordes Valmore (a cura di Maria Luisa Spaziani) – Ediz. Gallino

Poesie di Marceline Desbordes Valmore – Ediz. LaVitaFelice

Poésies inédite (1860, postume – lingua francese)

Immagine modificata:

Autrice: Federica Sanguigni